Ang pagbaba ng fashion week, ipinaliwanag
Sa loob ng maraming taon, iniisip ng mga tao kung sulit ba itong i-save.
Ang kwentong ito ay bahagi ng isang grupo ng mga kuwento na tinatawag 
Patay na ang fashion week. hindi mo ba narinig? Ito ay namamatay , at pagkatapos ito ay mamatay pa, at patuloy na namamatay , at ngayon Ito'y patay .
O kaya naman? Marahil ay fashion week pagbabalik mula sa mga patay , o marahil ang linggo ng fashion ay hindi kailanman talagang patay sa lahat. Sa kabila ng katotohanan na ang linggo ng fashion ay umiiral pa rin, ang mga tao ay nagtatalo tungkol sa pagkamatay nito sa loob ng maraming taon.
Ang konsepto ng fashion week — na, sa US, ay kadalasang tumutukoy sa New York Fashion Week na nagaganap sa Pebrero at muli sa Setyembre — ay medyo simple: ang mga designer ay nagtatanghal ng mga koleksyon para sa susunod na season sa isang silid na puno ng kanilang mga kapantay sa industriya ng fashion.
Ang simula nito ay maaaring masubaybayan pabalik ng higit sa 75 taon, ngunit sa nakalipas na dekada, ang NYFW ay naging iba na. Depende kung kanino mo tatanungin, ito ay naging isang namamaga at luma na trade show para sa isang industriya na umunlad sa kabila nito, o isang parada ng nakakaimpluwensya sa narcissism , o isang overcommercialized na slog kung saan wala nang may anumang orihinal na ideya. Posibleng umabot ito sa huling bahagi ng 1990s, pagkatapos Sex at ang Lungsod dinala ang kaakit-akit ng mga fashion party sa New York sa mga sala sa buong bansa, o marahil ito ay nasa kalabisan noong kalagitnaan ng 2000s, noong ang fashion ay naging isang pangkaraniwang pakikipagsapalaran sa negosyo para sa mga kilalang tao , bago ang pag-urong ay sumira sa ekonomiya.
Gayunpaman, sa bawat oras na ang linggo ng fashion ay umiikot ngayon, ang parehong mga debate ay kailangang litigasyon: Dapat pa bang umiral ang fashion week? Para kanino ito? Ang mga tanong na ito ay hindi talaga tungkol sa kung ang mga partido ay masaya o ang mga uso ay cool. Ito ay tungkol sa kung ang istruktura ng fashion week ay may kaugnayan sa paraan ng pagbili ng mga tao ng mga damit ngayon.
Ang kasaysayan ng New York Fashion Week
Kahit na ang pinagmulan nito ay nasa press linggo na naganap sa New York tuwing taglagas at tagsibol simula noong 1943, kung saan dadagsa ang mga editor sa mga ritzy na hotel upang panoorin ang mga runway presentation ng mga pinakabagong koleksyon ng mga designer, ang fashion week na alam natin ngayon ay isang medyo batang phenomenon. Mula noong 1940s hanggang '80s, itinatag ng New York, Paris, London, at Milan ang kanilang sarili bilang Big Four, ang pinakamalaki at pinakamahalagang sentro ng fashion, bawat isa ay may sarili nitong talaan ng mga palabas. Ang konsepto ng isang nakatuong linggong kaganapan para sa isang lungsod upang i-promote ang industriya ng fashion nito ay mayroon na ngayon kumalat sa buong mundo .
Sa loob ng mahabang panahon, ang mga linggo ng fashion ay may katuturan. Ang mga palabas sa runway ay nag-alok sa mga editor at mamimili ng pagkakataong i-preview ang mga koleksyon at mas malalaking trend na tatama sa mga rack ng damit sa loob ng anim na buwan, na nagbibigay-daan para sa mga magazine na magplano ng nilalaman at para sa mga department store at boutique na gumawa ng mga desisyon sa negosyo nang maaga.
Ang New York Fashion Week habang nabubuhay ngayon ay hindi opisyal na nagsimula hanggang 1993, nang si Fern Mallis, ang executive director noon ng Council of Fashion Designers of America, ay naghangad na isentralisa ang nakakalat na proseso ng mga editor at mamimili na tumatakbo sa iba't ibang runway na nagpapakita ng lahat. sa ibabaw ng lungsod.
Ang mga organisadong palabas ay naglagay ng mga Amerikanong designer sa mapa at binago ang tanawin ng fashion magpakailanman, ang Mallis sinabi sa Racked noong 2015 . Bago iyon, mayroong 50 palabas sa 50 lokasyon. Ang bawat isa ay gumawa ng kanilang sariling bagay nang hindi nauunawaan kung ano ang isang bangungot kung ito ay iyong negosyo upang makakuha mula sa isang palabas patungo sa isa pa.
Noong 1994, ang tagumpay ng mga Amerikanong taga-disenyo tulad ni Calvin Klein at ang mga kilalang tao na naakit ang kanilang mga palabas (isang napakabatang Leonardo DiCaprio, halimbawa) ang nagtatag ng NYFW bilang isang dapat-cover na kaganapan.
Sa loob ng 16 na taon, ang mga palabas, gaya ng tawag sa kanila, ay naganap sa loob ng mga tolda na itinayo sa Bryant Park ng Manhattan. Hindi lamang nito pinalaya ang mga dadalo mula sa galit na galit na pagtakbo mula sa venue patungo sa venue ngunit nangangahulugan din na ang mga designer ay hindi na responsable para sa pasanin ng paggawa ng isang fashion show mula sa simula - ang espasyo, ilaw, tunog, at seguridad ay lahat ay pinangangasiwaan ng isang production firm. Hindi ibig sabihin na ito ay mura: Noong 2007, isang palabas sa Bryant Park gastos hindi bababa sa $50,000 para sa mga designer, ayon sa isang pagtatantya.
Pagdating ng 2010, ang kaganapan ay dumaloy sa labas ng medyo maliit na parke — sa taas nito, Kasama sa NYFW ang halos 300 na palabas - at pagkatapos taon ng hindi pagkakasundo sa pagitan ng industriya ng fashion at ng pamamahala ni Bryant Park sa pagpapalawak nito, ang kaganapan ay inilipat sa mga tolda sa loob ng mga plaza ng Lincoln Center. Ang bagong lokasyon, habang bahagyang mas malayo mula sa New York's Garment District kung saan pinananatili ng maraming designer ang kanilang mga studio, ay nagkaroon ng 30 porsiyentong mas maraming espasyo at nilagyan ng mas mahusay na teknolohiya upang matugunan ang mga pangangailangan ng dumaraming digital na kaganapan. Makalipas ang isang taon, sinimulan ng mga designer na regular na mag-live-stream ng kanilang mga palabas sa YouTube para kahit na ang mga walang imbitasyon ay makikinig.
Samantala, isa pang industriya ang sumasabog sa labas ng mga dingding ng mga tolda: personal style blogging. Sa mga taon bago ang Instagram, isang napakaraming mga nakadamit (at madalas mayaman ) ang mga fashion maven sa buong mundo ay nagbahagi ng mga larawan ng kanilang mga kasuotan online kasama ng mga slice-of-life na mga post sa blog. Sa pagitan ng 2004 at 2008, gusto ng mga tao Nagsisimulang bumuo ng mga tatak sina Bryanboy at Tavi Gevinson na may kakaibang mga pares ng damit at kolokyal na mga boses sa pagsulat.
Ang mga naunang influencer na ito, na nakakuha ng katanyagan bago pa man naging bonafide na pagpipilian sa karera ang termino, ay nagtanim ng mga binhi ng pagtutuos sa industriya ng fashion. Sila ay mga tagalabas, na nagbabanta sa tradisyonal na sistema kung saan ang mga editor ng magazine ay may halos ganap na kapangyarihan sa pagdidirekta ng opinyon ng publiko sa mga uso sa fashion. Nagkaroon sila ng matalas na kamalayan sa kung paano sila matutulungan ng teknolohiya na maakit ang atensyon ng daan-daang libong tulad ng pag-iisip na mga tagahanga ng fashion na natigil sa pag-uusap, isinulat ng kritiko na si Robin Givhan noong 2014 .
At habang ang industriya ng fashion sa huli ay niyakap sila - pinangalanan ni Marc Jacobs ang isang bag pagkatapos ng Bryanboy noong 2008, at Lucky magazine ilagay ang tatlong digital influencer sa cover nito noong 2015 — ang mga bahaging ito ng mga hindi pa naririnig na mga showgoer ay madalas na sinisisi sa pagsisimula ng tinatawag na death of fashion week.
Sa isang tiyak na lawak, may punto ang kanilang mga kritiko. Ang mga hoard na ito ng mga nakadamit na digital native ay sanay sa paboreal para sa mga street style na photographer na naghihintay sa labas ng mga palabas sa runway, at sa gayon ay lumikha ng isang palabas sa labas ng mga tent na malamang na mas malaki kaysa sa kung ano ang nangyayari sa loob ng mga ito. At kahit na sa oras na sila ay nakaupo, ang mga madalas na sinisiraan ng mga baguhan na ito ay hindi kinakailangang sumunod sa mga tuntunin sa lumang paaralan; ibig sabihin, hindi pagkuha ng mga larawan sa panahon ng mga palabas. Ang sinumang sumunod sa kanila online ay alam ang parehong access na mayroon sila.
Noong 2015, ang mga palabas ay na-boot mula sa Lincoln Center, sa pamamagitan ng isang demanda na nagtukoy sa espasyo kung saan gaganapin ang NYFW ay hindi magagamit para sa mga layuning pangkomersyo. Ngunit bago pa man ang pag-areglo, maraming mga taga-disenyo ang nagsisimula nang mag-decamp sa iba't ibang lugar ng kaganapan sa paligid ng lungsod. Ang pinakamalalaking brand, tulad ni Alexander Wang, ay mas piniling magrenta ng napakalaking warehouse para ilagay sa mga fashion show na naging all-night ragers, habang ang mga paparating na designer ay nag-eksperimento sa intimate showroom presentations na parang mga art opening kaysa sa mga fashion show. Ang huling diskarte ay isa ring magandang paraan upang maiwasan ang napakalaking halaga ng paglalagay sa kahit na ang pinakapangunahing palabas sa runway, na noong 2014 ay tinatayang nagkakahalaga ng humigit-kumulang $200,000 .
Bagama't sa kalaunan ay lumipat ang New York Fashion Week sa dalawang magkahiwalay na espasyo ng kaganapan, marami sa mga marquee designer nito ang nagpasya hindi lamang na mag-host ng kanilang mga palabas nang mag-isa ngunit talikuran ang tradisyonal na kalendaryo ng fashion week nang buo. Ang gumagapang na desentralisasyon na ito, kapwa pisikal at temporal, ay nag-ambag sa humihinang kaugnayan ng kaganapan.
Bakit ang linggo ng fashion ay hindi kasinghalaga ng dati
Hindi dahil sa ang mga organizer at kalahok ng fashion week ay hindi nagsisikap na panatilihin itong buhay: Bukod sa mga puntos sa presyo, ang mataas na fashion ay democratized gaya ng dati. Ang sinumang may internet access ay maaari na ngayong manood ng halos anumang pangunahing palabas sa runway sa mundo nang real time, at kapag ang mga taga-disenyo ay nasiraan ng loob, sila ay sapilitang makinig sa mga opinyon ng karaniwang tao sa pamamagitan ng social media . Ang pagkakaiba-iba ng lahi sa mga modelo ay hindi pa rin maganda ngunit ay higit na bumuti sa nakalipas na tatlong taon lamang. Hindi na ito nakakagulat na makita, sabihin, a size 10 na babaeng naglalakad sa isang runway , at hindi rin karaniwan para sa isang taga-disenyo na gumawa ng a progresibong pampulitikang pahayag kasama ang kanyang koleksyon . Wala sa mga ito ay naging sapat, bagaman.
Namamatay ang fashion week dahil wala itong kaugnayan sa paraan ng pagbili ng mga makabagong mamimili.
Ang tradisyonal na kalendaryo ng fashion, kung saan ang isang koleksyon ng mga kasuotan para sa taglagas ay ipinakita sa naunang Pebrero at ang mga damit ng tagsibol ay ipinapakita noong Setyembre, ay talagang nagmula kay King Louis XIV. Noong ika-17 siglo, siya itinatag ang France bilang sentro ng marangyang industriya ng tela sa pamamagitan ng pagpapataw ng isang pana-panahong iskedyul kung saan ang mga bagong tela ay ilalabas dalawang beses sa isang taon, bilang isang paraan ng paghikayat sa mga tao na bumili ng higit pa sa kanila. Sa simula, ito ay simpleng mahusay na marketing — ang mga tao ay bumili ng pinakabagong mga tela dahil sila ay bago, hindi dahil sila ay talagang kailangan.
At noong ang mga fashion show ay higit na katulad ng mga trade show, kung saan ang mga bagong koleksyon ay ipinakita sa isang maliit na bilang ng mga editor at mamimili na pagkatapos ay mag-uulat tungkol sa mga darating na trend para sa mga mambabasa o mag-order ng mga damit para sa mga tindahan, ang sistemang ito ay natupad pa rin ang layunin nito. Ngunit ngayon na ang mga imahe ay maaaring kumalat sa buong mundo sa isang iglap at ang pagkilos ng pagbili ng isang damit ay maaaring bawasan sa humigit-kumulang tatlong pag-tap sa isang telepono, ang anim na buwan sa pagitan ng kapag ang isang damit ay naglalakad sa isang runway at kapag ang isang tao ay talagang makakabili ito ay parang katawa-tawa. . Ang mga uso sa fashion, gayundin, ngayon ay sumisikat sa bilis ng kidlat at naglalagablab nang kasing bilis dahil sa sobrang saturation ng imahe, upang pagkatapos ng kalahating taong paghihintay, ang isang aesthetic ay maaaring maglaro.
Marami ang ginawa sa katotohanan na noong 2016, ang mga pangunahing taga-disenyo tulad ng Burberry, Tom Ford, at Tommy Hilfiger ay nagpatibay ng isang tingnan ngayon, bumili ngayon diskarte , kung saan ang kanilang mga koleksyon ng runway ay magagamit upang mabili kaagad. Ngunit para sa karamihan ng mga tatak ng damit sa mass-market, negosyo lang iyon gaya ng dati. Ang pinakamalaking mabilis-fashion na tatak tulad ng Asos, halimbawa, ay maaari iikot ang buong koleksyon sa loob ng ilang linggo .
Ang isa pang problema sa tradisyonal na kalendaryo ng fashion ay kung paano nito pinipilit ang mga designer na maglabas ng apat o higit pang buong koleksyon sa isang taon, sapping designer ng pagkamalikhain at paglikha ng malaking pasanin sa pananalapi para sa mga tatak. (Bilang karagdagan sa mga koleksyon ng tagsibol at taglagas, may mga in-between season tulad ng resort at pre-fall, na kung minsan ay kinasasangkutan din ng mga palabas sa runway o live na presentasyon.)
Ipasok ang drop culture. Nakakita ng tagumpay ang mga kumpanya sa pamamagitan ng paglikha ng kakapusan, pagbuo ng buzz at pag-drop ng mga limitadong koleksyon o indibidwal na mga item kahit kailan nila gusto sa halip na maglabas ng mga koleksyon sa isang regular na iskedyul. Ang pinakasikat sa kanila ay Supremo , ang tatak ng streetwear na, kahit na makalipas ang 25 taon, ay umaakit pa rin ng mga linya na sumasaklaw sa buong mga bloke ng lungsod tuwing Huwebes ng umaga. Ito hindi kailangan ng presensya sa fashion week para gawin iyon.
Dagdag pa rito, may mga mas bago at mas murang paraan para i-market ang isang fashion brand na hindi nagsasangkot ng mga runway. May mga highbrow na halimbawa (tulad ng brand Ang relasyon ng Opening Ceremony sa New York City Ballet ) at mga kakaiba (tulad ng taga-disenyo na si Rachel Antonoff na nagiging a fashion presentation sa isang school science fair ). At pagkatapos ay mayroong mga presentasyon na umiiral lamang online, tulad ng kay Misha Nonoo Insta-Show , kung saan ang tanging panoorin ay ang nagaganap sa Instagram — ang tanging medium kung saan ang karamihan sa mga tao ay may access sa isang fashion show sa unang lugar.
Kasabay nito, humina ang draw ng covering fashion week para sa mga magazine at website. Dahil ang linggo ng fashion at ang mga nakakatuwang cycle ng high fashion sa pangkalahatan ay hindi gaanong nauugnay sa mga gawi sa pamimili ng mga mamimili, hindi nakakagulat na ang mga mambabasa ay hindi gaanong interesadong marinig ang tungkol sa kanila .
Hindi sigurado ang mga tao kung sulit na i-save ang fashion week
Ang lahat ng ito ay nagtataas ng tanong: Para kanino ang fashion week? Tinatanggal ito ng mga taga-disenyo, tila walang nagki-click sa coverage, at kadalasan, ang mga kaganapan ay parang mga pagsasanay sa Instagram influencer posturing.
Oo naman, para sa mas maliliit at paparating na brand, ang fashion week ay isang banner event pa rin na maaaring magbigay ng mga pagkakataon sa marketing. Ngunit para sa karamihan, ang linggo ng fashion ay tila hindi nagtatagumpay sa pangunahing tungkulin nito: pasiglahin ang mga tao sa pagbili ng mga bagay.
Bahagi nito ay maaaring dahil wala na tayong pakialam sa mga damit. Isang tampok na Bloomberg noong nakaraang taon na tinawag Ang Kamatayan ng Damit binigyang-diin ang lahat ng dahilan kung bakit ang mga Amerikano ay gumagastos ng mas kaunti sa kanilang mga kita sa kanilang mga aparador, mula sa kaswal na kasuotan sa trabaho hanggang sa pag-flatte ng top-down na impluwensya (ito ay hindi na nagmumula lamang sa mga fashion house).
Nahihirapan na ngayon ang mga brand na pinanghahawakan bilang mga innovator sa industriya, tulad ng Nasty Gal. Wala sa alinman sa kanila ang naglalagay ng mga high-profile na palabas sa runway, ngunit nagsisilbi silang mga halimbawa ng posibleng pagbaba sa aming interes sa fashion at, sa mas malawak na paraan, ang aming interes sa pagmamay-ari ng mga bagay kumpara sa aming pagnanais para sa mga karanasan. Sino ang nangangailangan ng fashion sa mga araw na ito kung kailan maaari mong ipahayag ang iyong sarili sa pamamagitan ng social media? nagsisimula ang piraso ng Bloomberg. Bakit bumili ng mamahaling bagong damit kung maaari mong pondohan ang isang bakasyon sa katapusan ng linggo sa halip? Bakit talaga?
Ang New York Fashion Week ay kasalukuyang lugar tulad ng dati, sa unang bahagi ng Pebrero. Sa pagkakataong ito, gayunpaman, ito ay nagdagdag ng higit pang mga panel discussion at pagpapalabas ng pelikula , pagpapalawak sa tagumpay ng mga katulad na nakaraang kaganapan mula noong nakaraang taglagas. Marahil ay nangangahulugan na ang paggawa ng fashion week na mas may kaugnayan ay ginagawa itong mas parang isang kumperensya — naa-access ng mas maraming tao at may takeaway na higit pa sa pagbili ng ilang bagay. Ang mga dadalo ay maaari na ring bumili ng mga tiket sa mga palabas, na karaniwan nang libre at imbitasyon lamang, sa pamamagitan ng mga bundle deal na tinatawag NYFW: Ang Karanasan .
Sa karamihan ng mga paraan, gayunpaman, ang New York Fashion Week ng Pebrero na ito ay mukhang pareho sa mga nakalipas na taon: ibig sabihin, na may mas kaunting mga tao na nagbibigay ng pansin.
